Artista multinstrumentista que trabaja con la voz en el ámbito de la música espontánea, a menudo bajo el nombre de Lichtens. Recientemente está creando piezas con sintetizador modular. La sensibilidad de los sistemas modulares analógicos se hacen eco de la naturaleza orgánica de la expresión vocal que, en este caso, pretende manifestarse en estado de trance marcando para el comienzo de la escucha profunda a través del sonido y los sentimientos. Busca perderse a sí mismo en el sonido mientras se es extremadamente consciente de su propio yo. Robert ha trabajado con artistas de la talla Ben Russell, Ben Rivers, Rose Lazar, Hisham Akira Bharoocha, Tarek Atoui, Ben Vida, Mark Borthwick, Lucky Dragons, Alan Licht, Michael Zerang, Doug Aitken, Patrick Smith, Monica Baptista, Lee Ranaldo, White / Light, Kevin Martin, Chris Johanson, Tyondai Braxton, David Scott Stone, Genesis P-Orridge and Rose Kallal, entre muchos otros.

A caballo entre el mundo visual y el sonido, Pao Durán lleva desde 2013 enfrascado en proyectos tanto de diseño 3D, diseño en movimiento, así como diseño sonoro y producción musical. Con un fuerte énfasis en la generación de sonidos de forma analógica, así como en la composición de un imaginario cargado de referencias distópicas y de la cultura digital. Tras formarse en Los Ángeles, Praga y Londres, actualmente tiene su base en Madrid donde presenta su propuesta audiovisual; en la que se mezclan los sonidos crudos de los sintetizadores modulares con los psicodélicos colores e imágenes de los sintetizadores de vídeo digital y sistemas de feedback.

Residente en A Coruña, Francisco Parga finalizó sus estudios en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid bajo la dirección del guitarrista Regino Sainz de la Maza. Desde 1966 ha realizado una intensa labor didáctica en diversos campos de la enseñanza musical, como la acústica aplicada a la música, la música de cámara, audición, guitarra y la formación de profesorado. Además de su actividad docente, desde 1980 se centra en la música electrónica, creando su propio estudio, y para la que hizo múltiples adaptaciones de obras correspondientes a compositores de todas las épocas: Bach, Haendel, Paganini, Scarlatti, Satie, Debussy, Britten, Isaac Albéniz, Mateo Albéniz, Granados, Mussorgsky, así como de compositores gallegos tales como Juan Montes, Pascual Veiga, José Baldomir o Marcial del Adalid.

Con sede en Berlín, es dj, músico, productor y “remezclador”. Jan Jelinek comenzó como coleccionista de discos de dub, jazz, funk y soul hasta que descubrió la música house. Desde 1998 ha estado publicando discos bajo varios seudónimos como Farben, Gramm o The Exposures, entre otros. Los discos que lanza bajo su propio nombre son canciones ambientadas en viejas grabaciones de jazz. Los trabajos de Jelinek se ocupan de la transformación de los sonidos, traduciendo los materiales originales de la música popular a texturas abstractas y reducidas. Su álbum “Loop Finding Jazz Records” publicado en 2001 en el sello Scape es considerado una obra maestra de la electrónica contemporánea. Actualmente desarrolla actuaciones en directo con sintes modulares que lo llevan por todo el mundo.

Dr. Think y Mike Rolling, es decir, Álvaro Pardo y Miguel Rulos, hablan sobre la vida en un proyecto llamado Telémaco, en el que combinan «la música impetuosa de Beethoven con las bandas sonoras anodinas de los aeropuertos, las enérgicas conversaciones sobre la pasión con la cadencia relajada de un saxo».

Ellos miran la vida como fusión y confusión y nos ofrecen ese mapa sonoro acomodando melodías nacidas de instrumentos tradicionales sobre cómodos colchones de bases electrónicas. La vida nos visita en la música de Telémaco en forma de televisores, teléfonos, mensajes de voz grabados o batidoras, todo eso dominado por la improvisación.

Músico mallorquín polifacético, poseedor de un auténtico arsenal de criaturas sónicas. Biyi publicó su primer trabajo a finales de los 90 y se trata de la trilogía titulada Lana máquina de él Tiempo en un estilo que a grandes rasgos podríamos calificar de hip- hop instrumental, breaks o headz music muy en boga en esa época. Actualmente está considerado uno de los pocos especialistas en la interpretación del theremin en España y realizará en una actuación con este instrumento y sus sintetizadores modulares.

El theremin pertenece a la familia de los instrumentos electrófonos, el sonido se crea mediante circuitos eléctricos y genera y amplifica el sonido de forma totalmente eléctrica sin la utilización de ningún mecanismo. Forma parte del subgrupo de los instrumentos radio-eléctricos. Precisamente este año se cumple un siglo desde su creación por el compositor y físico ruso Léon Theremin.

«La autoedición de música desde un sello independiente: pasado, presente y futuro»

Participan:

• Andrés Noarbe
  Geometrik (Madrid)
• Pablo Cubeiro
  Fanzine (A Coruña)
• Juan Manuel Cidrón
  Extrarradio (Almería)
• Fabio Vinuesa
  Distrito 91 (Madrid)
• Miguel Ángel Ruiz
  Toracid Tapes (Madrid)
• Suso Flores
  Massage Brain Cult (A Coruña)

En las grietas que se extienden entre la música electrónica y analógica, el arte visual y la creación artesanal, Yamila baila al borde del sonido y las alturas conceptuales. El compositor, violonchelista, cantante y productor español tiene su sede entre Bélgica, Holanda y España. En los últimos años Yamila ha creado música para producciones de danza contemporánea en lugares como The Gothenburg Opera, Netherlands Dans Theatre y Dance Forum Taipei, entre otros. Sus proyectos se han presentado en festivales como Sonic Acts Festival (Amsterdam), Arts Electronica (Linz), Seoul International Computer Music Festival, STRP Festival (Eindhoven) y Today’s Art festival (La Haya), por nombrar algunos. Con ‘Iras Fajro’ (2018), su disco debut, Yamila, convoca en 11 temas con la fuerza de los sonidos electrónicos frente a una voz frágil que por momentos se despliega en pequeños racimos de coral. Los brillantes arpegios y ritmos electrónicos se disuelven en las aterciopeladas voces del violonchelo, que en ocasiones se entrelazan con las creaciones de dos colaboradores, el productor y compositor británico Clark (Warp) y el polifacético ex flamenco Niño de Elche (Sony).

La obra de Artur M. Puga, es una oda a la sonoridad zazen: la pulcritud de sus sonidos, los silencios, conducen al espectador a una suerte de vacuidad, en la que las personas disipan su ilusión de existir. Lo real, se vuelve algo ilusorio, las frecuencias narcotizantes aniquilan toda idea/razonamiento, dando lugar a una vacuidad universal incualificada en sí misma.
Un delicado entramado sonoro dominado por sinuosidades puras y texturas algorítmicas que traslada a un tiempo en suspensión que no debe confundirse con la inexistencia, los campos sonoros del artista no conducen al suelo resquebrajado del nihilismo, sino a un negativismo radical, en el que el vacío eterno se revela como verdad absoluta. M.Puga, propone, por lo tanto, una comunicación interhumana (que no interpersonal), no transmisible a través de construcciones lógicas, al contrario, únicamente perceptible en la medida en que no necesita un ser pensado, más bien un no pensante y un no pensado.

Scanner es el nombre arístico del británico Robin Rimbaud. Desde 1991 ha estado intensamente activo en el arte sonoro, produciendo conciertos, instalaciones y grabaciones, los álbumes Mass Observation (1994), Delivery (1997) y An Ascent (2020) aclamados por la crítica como obras innovadoras e inspiradoras de la música electrónica contemporánea. Rimbaud comenzó a componer para producciones profesionales en 1982. Desde entonces ha actuado y creado obras en muchos de los espacios más prestigiosos del mundo, incluidos SFMOMA USA, Hayward Gallery London, Pompidou Centre Paris, Tate Modern London, Kunsthalle Vienna, Bolshoi Theatre Moscú, Hanoi Opera House Vietnam y la Royal Opera House de Londres. Hasta la fecha, ha compuesto 75 producciones de danza contemporánea, incluidas obras para el Royal Ballet de Londres y Merce Cunningham. En 2016 instaló su trabajo de sonido Water Drops en el aeropuerto de Rijeka en Croacia, Ghosts en Cliveden National Trust UK, y compuso el primer ballet de realidad virtual del mundo, Nightfall. En 2004, su Sound Surface (con Stephen Vitiello) fue el primer encargo de Sound Art para la Tate Modern de Londres. Participó en la música de la exitosa comedia musical Kirikou & Karaba (2007) y Narnia ballet (2015) basada en el popular libro infantil y la reapertura del Stedelijk Museum, Amsterdam en 2012. El trabajo comercial ha incluido el diseño de sonido de Philips Wake-Up Light (2009), Dream for Sprint Telephones / Leo Burnett en los EE. UU. Y el sonido para los sistemas telefónicos Cisco utilizados en oficinas de todo el mundo en 2019. Más recientemente, estableció la Fundación de Arte Robin Rimbaud en el Reino Unido. Su obra Salles des Departs está instalada permanentemente en una morgue en funcionamiento en París, mientras que Vex, la casa residencial que diseñó una banda sonora permanente con los arquitectos Chance de Silva, ganó el RIBA London Award 2018 y apareció en el popular programa de televisión Grand Designs. Comprometido a trabajar con practicantes de vanguardia, colaboró con Bryan Ferry, Wayne MacGregor, Mike Kelley, Torres, Michael Nyman, Steve McQueen, Laurie Anderson y Hussein Chalayan, entre muchos otros.

Michel des Airlines es uno de los más recientes y exitosos proyectos del pionero electrónico madrileño Miguel A.Ruiz. Ruiz publicó en 1986 su primer trabajo en casete bajo su alias Orfeón Gagarin, en su propio y legendario sello Toracic Tapes, manteniéndose desde entonces muy activo dentro del movimiento internacional de sellos de casetes y colaborando con músicos de diferentes países, destacando su proyecto Codachrom junto al músico ruso Eugene Voronovsky. Ha publicado docenas de trabajos en todos los formatos, sobre todo en casete, en sellos internacionales muy reconocidos y bajo otros nombres además de los citados: Funeral Souvenir, Exhaustor, Zoltan Coxis, Ventral Metaphor, etc.
Fascinado por las posibilidades sonoras de los sintetizadores,modulares,e instrumentos analógicos y digitales, el estilo de Ruiz es fantástico y sorprendente, con una imaginación que puede catalogarse de apabullante en una larga y prolífica carrera que llega hasta la actualidad. La energía, la cosmonáutica soviética, Borges, surrealismo, Moscú, patologías clínicas, el humor negro o la vida extra-planetaria: cualquier anomalía tiene cabida en el microcosmos de Miguel A. Ruiz. Sus referencias musicales son muy diversas: la música post-industrial de los ochenta , música cósmica alemana, pioneros de la electro-acústica, ambient, tecno pop japonés, pop retro-futurista, etc.
Ruiz se encuentra actualmente muy activo y en uno de sus mejores momentos creativos, actuando más que nunca y siendo descubierto por una nueva generación de jóvenes músicos electrónicos que buscan sus trabajos y le admiran.
En los últimos años ha ofrecido conciertos por todo el mundo, incluyendo ciudades como Moscú, San Petesburgo, Madrid, Pamplona, San Sebastian, Barcelona, Valencia, Lima, La Paz o Asunción (Paraguay).
Varias de sus casetes de los ochenta están siendo recientemente reeditadas por primera vez en vinilo por sellos como Verlag System (“Funeral Souvenir”, “Orfeón Gagarin 1986”) o B.F.E. (“Climatery”). Su último álbum en vinilo “Voces a 45” (como Orfeón Gagarin) fue publicado en 2019 por el veterano sello Geometrik (heredero del legendario Discos Esplendor Geométrico).
Con Michel des Airlines Ruiz nos muestra su faceta más querida: una nueva y personal visión de la música electrónica cósmica, que bebe de las fuentes (la escuela de Berlín de los setenta: Tangerine Dream, Schulze,…) pero que actualiza y recicla dentro de su particular universo. Bajo este alias ha publicado desde el 2016 tres CD-R en su propio sello Toracic y un reciente CD “Orbiteur 2.0” (2020) en colaboración con el sello Verlag System.

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Orbiteur 2.0

Ivankovà es el proyecto en solitario de Irene de la Cueva, artista musical afincada en Galicia. En sus trabajos investiga la idea del trance a partir de la emocionalidad, con una vocación terapéutica que recoge y reinterpreta el género New Age. Utilizando el mantra y la repetición en composiciones de largo desarrollo, Ivankovà nos invita a transitar por paisajes sonoros que encarnan su visión particular del espectro gótico y la fantasía neo medieval, en los que largos drones de órgano analógico, sintetizadores y etéreas composiciones vocales son protagonistas.

En su trayectoria artística y cultural ha formado parte activa del tejido underground madrileño, creado otros proyectos musicales como Yocasta, Difunta Calva o Irina Vep, y actuado en Zarata Fest, Nodo Invisible, Ruido Vírico, Continuo, Círculo de Bellas Artes, Matadero Madrid, Curtocircuito o LEV Festival.

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Jose Luis Maire trabaja principalmente con sintetizadores modulares. En sus piezas y conciertos, son centrales el estudio de los fenómenos acústicos y de las proporciones no temperadas (principalmente, afinaciones justas extendidas), así como el uso del sintetizador como un instrumento de reverberación y feedback. Ha realizado conciertos en festivales de música experimental como ERTZ, SONIKAS, Zarata Fest, CALMA o Encuentros Sonoros, y en espacios e instituciones como CRUCE, Tabacalera (Madrid), la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense, Museo La Neomudéjar, Contenedor Cultural (Málaga), Centro Daoíz y Velarde, Cráter-LAB o Tabakalera (Donostia). Recientemente ha publicado dos trabajos: Along the edge of, en el sello sirr-ecords (Portugal), y Botanical melancholia, en Oigovisiones Label.

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Suso y André han estado desarrollado una residencia artística durante 2021. Los dos artistas se han unido durante una semana con sus instrumentos con el fin de crear un directo que les ha llevado a actuar por diversos eventos por Europa. Estos dos músicos son de generaciones diferentes, pero con predilecciones y estéticas musicales compartidas y han podido encontrar un camino común.

André Gonçalves es de Lisboa y se desenvuelve en diferentes artes, pero es muy reconocido por su marca de sintetizadores modulares ADDAC System. Este año, también lanzó dos álbumes: “Grnlr”, de Black Hole Time Warp, y “Sheer & Swerve”.

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Suso Saiz (Cádiz, 1957) no necesita presentación, pero podemos decir que es uno de los grandes pioneros en España en lo que a aventuras musicales vinculadas a la electrónica y a la electroacústica de los 80 se refiere.
Ha publicado más de 20 discos; los más recientes son: Odisea (2016), Rainworks (2017), Nothing Is Objective (2019) y Between No Things (2020) con Suzanne Kraft, todos en el sello holandés Music From Memory. Publicado por Two- Headed Snake el álbum digital Conscious Polarize de Suso Saiz & Francisco López (2020). Y también Static Journeys de Michal Turtle & Suso Saiz publicado por Planisphere (2021). Ha sido miembro fundador de Orquesta de las Nubes, Suspended Memories y Trash of Dreams.
Suso ha producido más de 100 discos y recibido premios nacionales e internacionales y colaborado con artistas como Jorge Reyes, Steve Roach, Hans-Joachim Roedelius, Wagner Tiso, Salif Keita, Suzanne Kraft, Christian Fennesz, Francisco López, Michal Turtle entre otros, pero esta vez la aventura la hará junto a André Gonçalves.

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Frank Bretschneider es un músico, compositor y videoartista de Berlín que se crió en Karl-Marx-Stadt (Chemnitz desde 1990), donde sus gustos se desarrollaron mientras escuchaba radios piratas y casetes de los hip hop de contrabando en la antigua Alemania del Este. Después de estudiar bellas artes e inspirado por películas de ciencia ficción, en 1984 comenzó a experimentar con grabadoras, sintetizadores y guitarras modificadas, además de explorar las posibilidades de intercambio entre el arte visual y la música a través de medios como el cine, el video y los gráficos de las computadoras.
En 1986, después de establecer su sello de casetes klangFarBe, Bretschneider fundó AG Geige, una influyente banda underground de Alemania Oriental que editaron tres álbumes antes de separarse en 1993.
En 1995, Bretschneider y su compañero Olaf Bender, miembro de AG Geige, fundaron el sello discográfico Rastermusic, que eventualmente se fusionó con noton de Carsten Nicolai para formar raster-noton en 1999.
Ha editado también en sellos como Mille Plateaux, 12k, Line, Shitkatapult o Longform Editions.

Frankbretschneider.de

Iñigo Medina Murua, aka «M4», es un experimentado productor Legazpiarra residente en San Sebastián y arquitecto de profesión. Músico desde niño de formación clásica, Iñigo tocó de adolescente en bandas de hip hop (Ipar Rap Eroak) y de thrash en los años 90. Posteriormente, en 1997, comenzó a dar sus primeros pasos en la música electrónica aupado por su primera caja de ritmos. Desde entonces, este creativo y polifacético artista, amante los sintetizadores analógicos y del hardware en general, no ha parado de hacer música, habiendo grabado para sellos como: Redsonja Records (Madrid), Slope Point (Barcelona) o Avantroots (Cantabria).

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Alumno de Red Bull Music Academy en 2013, Alex Silva es un compositor y artista sonoro cuya interpretación de la música electrónica contemporánea tiene mucho que ver con sus primeros pasos tocando en bandas de punk en España. Cursó un master en Barcelona especializado en composición de música para cine y actualmente reside en Baltimore, Maryland (USA). Tras el lanzamiento del LP «Exsamples» –cuando aún se hacía llamar Astroboyz-; su álbum debut “Mind Pattern Explorer” en 2017 para Canadian Duck Tapes (Baltimore, USA) es presentado en directo con banda y ha sido escogido para abrir la gira por Estado Unidos de Dan Deacon en 2021, en Sónar Barcelona 25 aniversario (2018) y para la banda sonora en el episodio sobre Tecnología creado por Wham City Comedy de la serie “Off the Air” en Adult Swim, entre otros.

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Umbráfono es un proyecto de Enrique del Castillo (Jaén, 1982) que consiste en una performance con un lector óptico capaz de transformar en sonido los estímulos luminosos que se proyectan sobre una célula fotosensible. Estos estímulos luminosos son generados por un haz de luz al pasar a través de películas de celuloide las cuales están diseñadas a partir de un esquema de relación entre frecuencia de onda de las notas y repetición de formas geométricas, de manera que se puedan conseguir sonidos armónicos, ruidos, texturas sonoras y atmósferas. Este proyecto está basado en el sistema de lectura óptica-analógica usado en el cine desde 1919 para interpretar las bandas sonoras que forman parte de las películas.

Los cabezales lectores han sido modificados para leer varias voces simultáneas y para funcionar como instrumentos independientes. Las piezas que los conforman han sido diseñadas y fabricadas por al autor, así como las películas que se usan, las cuales son composiciones originales sin copia.

Enrique se ha formado en el Conservatorio Profesional de Música de Jaén en la especialidad de piano. Es Licenciado en Bellas Artes, Granada y por la Halle-Saale Alemania. Tiene un Máster en creación y producción artística por la Universidad de Barcelona y ha ganado números premios como el Primer premio Música Preventiva 2016 y el Primer premio internacional de arte sonoro, PowSOLO, 2O2O.

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Cruhda combina electrónica, raíces folclóricas y tenebrismo en un paisaje sonoro de la España Negra actual. Grabaciones de campo, muestreo, sintetizadores, clarinete y poesía, son el núcleo de su composición, como revela su último álbum «Lux Ahena».

En esta ocasión, Cruhda se une a la cineasta gallega Judith Adataberna, con la que comparte una íntima conexión en relación al duelo y las imágenes atávicas de la naturaleza, para ofrecer un viaje visual y sonoro a las profundidades del inconsciente. Juntas han actuado en festivales y museos como ETOPIA (Zaragoza), BAM, LEV Matadero, Continuo y más recientemente en el programa de Invocaciones del MACBA.

Cruhda se crió en el corazón de la Estepa Ibérica, tocando el clarinete en la banda de su pueblo, que abandona para estudiar Filosofía. En Madrid formó parte de Vaciador34, un colectivo político-musical de vanguardia.

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Judith Adataberna (Vilaboa 1992), es cineasta, fotógrafa y artista visual y ha desarrollado su imaginario a través del cine experimental, la fotografía y la video-instalación. Se formó en Bellas Artes y completó sus estudios becada por el laboratorio de cine experimental Master-LAV (Madrid). De padres marineros se cría toda su niñez encima de una batea de ostras, desarrollando una gran observación por la naturaleza y su fenomenología. Su interés por la psicología y los misterios de la conciencia han sido claves para formular obras simulativas en las que desafiar escalas y umbrales de la percepción. Su preocupación por los mecanismos de supervivencia y el devenir tecnológico le ha hecho plantearse preguntas sobre el desarraigo humano con la naturaleza.

Proyecto sonoro en el que confluyen los talentos de los reputados músicos españoles Juanjo Javierre y Justo Bagüeste. Se enfrentan al reto de desarrollar una nueva banda sonora en directo de una selección de películas de uno de los grandes pioneros del cine, el español Segundo de Chomón. El espectáculo establece una sinestesia entre universos alejados temporalmente un siglo y tienen en común la fascinación por los avances tecnológicos y sus aplicaciones creativas.

Segundo de Chomón (Teruel, 1871-París 1929) es uno de los cineastas más influyentes que ha dado nuestro país. Pionero del cine fantástico, inventor del travelling, sus técnicas de animación competían en imaginación con las obras maestras de George Meliés.

Justo Bagüeste, creador y músico compositor, con gran bagaje en la creación musical en el mundo de la electro-acústica, la electrónica y la música popular. Cuando empezó a ejercer el magisterio de su instrumento base, el saxofón, amplió su conocimiento en músicas contemporáneas y electrónica musical. Consecuencia: la formación académica en el Conservatorio Superior de Música de Madrid, con profesores como Carmelo Bernaola o Iturralde. Este hecho se transforma en un arma cargada de futuro: se sitúa en la vanguardia con los primeros grupos de experimentación electrónica como Clónicos, Corcovado y los Chatarreros de Sangre y Cielo, entre otros… Sólo hubo que dejar correr unos años, para que su gran proyecto IPD, le permitiera adoptar la paternidad del Chill Out en España y de las múltiples fuentes y aplicaciones que se derivan de ello.

Juanjo Javierre es un compositor de música para cine y televisión, además de interprete y productor de música pop y electrónica que comenzó su trayectoria profesional a mediados de los años 80, con tan sólo 16 años. En sus comienzos su trayectoria se desarrolla principalmente en el género documental y desde entonces ha participado en algunos de los films de mayor éxito del cine español en los últimos tiempos, está considerado como uno de los grandes especialistas de la música para comedia. No obstante, en sus estudios ha puesto música a decenas de spots y cortometrajes, así como a instalaciones de arte sonoro. Desde el año 2000 hasta el 2009 dirige junto a Luis Lles Periferias, festival temático multidisciplinar que se celebra anualmente en Huesca y durante 6 años fue el coordinador del área de música del ArtLab Huesca.

La larga trayectoria de Poupées Électriques ha estado marcada por un vasto recorrido de experiencias, colaboradores, composiciones, conciertos… Formados en 2004 por Carlos A. y Paco F. (posteriormente como MicroPlex) bajo un concepto experimental de conjunción de las últimas tecnologías musicales con la recuperación de los artilugios más ancestrales de la música del siglo XX (intonarumori, theremin).

Para Modulartec, van a presentar la pieza JET,  que como un “pequeño sol interno”, se convierte en un intérprete que muestra al mundo cómo suena la fusión nuclear. Este viaje sonoro nos permitirá escuchar el corazón de la energía del futuro, acompañado de instrumentos analógicos e imágenes reales de los experimentos.

Música y ciencia se unen gracias a Poupees Electriques dando forma a su nuevo espectáculo “JET – Nuclear Fusion Device”, una particular estructura sonora donde los sonidos crudos de JET se reinterpretan a través del ritmo, instrumentación, experimentación, tonalidad y atonalidad, a partir de archivos de audio y video de experimentos con plasma realizados en las instalaciones del CCFE (Culham Center for Fusion Energy) en Culham, Reino Unido, y grabaciones de campo realizadas en 2016 por Poupees Electriques y la física Ana Manzanares.

En “JET – Dispositivo de Fusión Nuclear”, los sintetizadores, percusiones, piano y Theremin caminan junto con sonidos tratados por diferentes tipos de síntesis. Texturas, frecuencias, ruidos, voces, dinámicas… El sonido de la fusión nuclear plasmado en una obra de cincuenta minutos

Poupeeselectriques.com

Presentación y concierto en el Aula Magna de la Facultad de Física, Universidad Complutense de Madrid, durante la Semana de la Ciencia y la Innovación de la Comunidad de Madrid.

Conferencia sobre la síntesis modular impartida por dos artistas y creadores de Befaco, líderes mundiales en la fabricación de módulos. Servirá como presentación de los talleres que comenzarán el año siguiente y donde los participantes montarán y fabricarán su propio sintetizador modular.

Durante más de 40 años, :zoviet*france: el grupo musical con sede en Newcastle, UK ha probado y explorado los límites de toda música conocida tanto en grabación como en interpretación. Su enfoque de la composición desafía una descripción adecuada: su forma es instrumental, no-canción basada y derivada de una mezcla ecléctica de instrumentos electrónicos y acústicos, infundido con grabaciones de campo.

Aunque deliberadamente oscura y underground, su música tiene una gran audiencia internacional. Han producido más de 20 álbumes y han publicado en los catálogos de Mute Records (Reino Unido), Staalplaat (Países Bajos), Soleilmoon Recordings (EE.UU.), alt.vinyl (Reino Unido) y su propio sello Charrm. En los últimos años han trabajado intensamente con compañías de danza contemporánea y han recibido el encargo de componer bandas sonoras para nuevas obras de Karas (Japón), Zero Visibility Corp (Noruega), Nye Carte Blanche Danseteater (Noruega), balletLORENT (Reino Unido), y por producciones premiadas de Random Dance Company (Reino Unido).

:zoviet*france: dirige un programa de radio y un podcast semanal en red, A Duck in a Tree transmitido por Resonance FM en Londres, Colaborradio en Berlín y CJMP in British Columbia en Gran Bretaña, y que califican como una «mezcla continua” de algunos de los mejores géneros.

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Severine es musicóloga, profesora y desarrolla su producción musical como one-woman band. Estéticamente se mueve entre el minimalismo, el sci-fi ambient y el noise, trabajando desde la experimentación sonora a menudo a partir de melodías y ciclos de música folklórica.

Severine Beata cree en la composición a partir del instrumento, en el error y en explorar cada uno de los códigos con sus posibilidades y limitaciones. En sus propias palabras -Lo que más influye es la herramienta de trabajo y tu dominio sobre ella. Cabalgar al dragón (…). Dicho método es permeable a la intuición y ahí, en la búsqueda de la idea, es capaz de aislar cualquier referente para terminar exhibiéndolo travestido, bajo sus propias reglas.

Sus instrumentos de directo son sintetizadores analógicos y digitales, primando la manipulación de dispositivos en vivo. Su anterior álbum El Ojo Brillante (2018) obtuvo muy buenas críticas, siendo programada en festivales y muestras en Museo Reina Sofía, MediaLab Prado, Matadero Madrid, Ca2M, BilbaoArte y LEM Gràcia Territori Sonor entre otros.

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Es el proyecto en solitario de Manu Retamero. Después de formar parte de proyectos como Smëgg, Lautstärke o Thunderdrone, en 2018 editó Still Alive, un casete en Split junto a Linalab y en 2023 nos presenta su primer LP en solitario. 

En este nuevo trabajo, continúa con las sonoridades drone-glitch-ruidosas (añadiendo patrones rítmicos) maceradas entre gruesas capas de atmósferas oscuras y opresivas.  Este disco, llamado simplemente ëgg, trabaja con los rincones desperfectos de las máquinas con las que está producido. Unos desperfectos que solo alguien con un profundo conocimiento de éstas es capaz de percibir y explotar musicalmente.

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Espinoza espinoza surge de la escena sintética de Barcelona. Su música parte del ruido, la repetición y la experimentación modular. En su último disco; C7116 (synthvicious/FDDV 2023), el ritmo toma un papel protagonista sin dejar de lado las premisas habituales. El músico catalán ha actuado en festivales como Ephonic o Mira!. Para sus directos crea y modi­fica contenido audiovisual, que oscila entre lo ­gurativo y lo abstracto.

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Presentación del último trabajo de Poupees Electriques (Électriques!, Geometrik Rec. 2021) en el que han colaborado con versiones de los temas originales algunos iconos de la electrónica undeground nacional tales como Esplendor Geométrico, Orfeón Gagarin, Abraxas, etc.

Con este último trabajo de nuevo para Geometrik Records (el cuarto ya, ahora con nueva formación), Poupees Electriques nos sumergen en la electrónica industrial ambiental, repleta de atmósferas densas, ritmos pulsantes, con claros guiños al minimalismo y a la electrónica más primigenia. Electriques! es un recorrido de siete temas por los conceptos esenciales de la electricidad, en un retorno a sus orígenes: la experimentación, el inconformismo,… y por encima de todo, su visión iconoclasta del arte. Poupees Electriques abren una nueva puerta, una nueva posibilidad, un nuevo sonido; pero no el último, con la visión dadaísta de que “el mejor de los sistemas es por sistema no tener sistema” (Tristan Tzara), que les permite moverse entre distintos estilos exentos de prejuicios. Además, para la puesta en escena de su nuevo trabajo han contado con la colaboración del videoartista Pedro López.

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Flavio Martín aka DJF aka Acid Future Overdose, podría considerarse uno de los mejores artistas que ofrece la escena underground de Madrid. Comenzó su carrera como DJ en 1992 y pronto se convirtió en una figura clave de la escena de clubs española, tocando en algunos de los clubes más importantes del país. Influenciado principalmente por los sonidos de Detroit y del IDM de principios de los 90. entre una gran variedad de música, DJ F pronto comenzó a desarrollar sus propias producciones bajo diferentes apodos para cubrir todas sus aspiraciones musicales. En silencio y paso a paso, F tomó todo lo que lo rodeaba musicalmente, miró dentro de sí mismo y vio lo que realmente tenía para ofrecer, tomó todo eso y lo usó para crear algunas de las piezas más hermosas que puedas imaginar. Música llena de alma y pasión, como nunca la habías escuchado.

En 2015 Flavio inició «Prayers for the Long Life», un nuevo sello enfocado en lanzar sus propias producciones.

Ha publicado en sellos como Semántica, Titan’s Halo, Eleve, Freebeat, AHD Records, Frigio, Drivecom, Tesla Electronics, Turbocapitalism y Melliflow, entre otros.

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Rói aka XEaranX aka xBruxx aka Suán es un estudioso y músico desde bien jóven, a los 6 años comenzó con el piano y a los 7 con la gaita. Después de esto y de tocar en varias bandas de rock comenzó a estudiar arpa celta y especializarse en la música tradicional y folc de la Galicia. Por unos años participó en Trepia, colaborando en la grabación de Suan y en los directos en la presentación del festival de Ortigueira y en el Festival de la Zanfona de la central Folque, lo que lo llevó a su paso a la música electrónica. Desde el 2017 se forma en la síntesis sonora. La idea de su directo y mezclar drones y sonidos similares a los de las gaitas, junto con ritmos y poliritmos cercanos a los tradicionales (ternarios, amalgamas, etc..)

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Borja Bernárdez, artista visual y mitad del colectivo MIL111, presenta su nuevo proyecto en solitario titulado MAKYO. En la meditación zen, “ makyo” se refiere a las ilusiones sensoriales que surgen durante la práctica, manifestaciones que pueden desviar al meditador de la verdadera claridad. Este concepto es llevado la práctica audiovisual, creando piezas que invitan al espectador a cuestionar la naturaleza de la realidad y la percepción, explorando los limites entre lo ilusirio y lo real.

Este taller está diseñado para músicos, productores y entusiastas de la música electrónica que desean profundizar en la creación de live sets utilizando instrumentos hardware y sintetizadores modulares.
A lo largo de la sesión, las y los participantes aprenderán a configurar y optimizar un sistema modular compacto, secuenciarlo desde el OXI ONE para actuaciones en vivo y conocerán las capacidades avanzadas para realizar transiciones o como procesador de efectos al final de la cadena que ofrece el nuevo módulo META.

Taller cerrado. Plazas agotadas.

Francisco López es reconocido internacionalmente como una de las figuras más importantes del panorama del arte sonoro y la música experimental. Durante casi cuarenta años ha desarrollado un universo sonoro sorprendente, absolutamente personal e iconoclasta, basado en una escucha profunda del mundo. Destruyendo fronteras entre sonidos industriales y ambientes sonoros salvajes, moviéndose con pasión desde los límites de la percepción hasta el abismo más espantoso del poder sonoro, proponiendo una escucha ciega, profunda y trascendental, liberada de los imperativos del conocimiento y abierta a la expansión sensorial y espiritual.

Ha realizado cientos de conciertos, proyectos con grabaciones ambientales, talleres e instalaciones sonoras en más de setenta países de los seis continentes. Su extenso catálogo de piezas sonoras (con colaboraciones en vivo y en estudio con cientos de artistas internacionales) ha sido lanzado por casi 400 sellos discográficos y editores en todo el mundo. Ha sido galardonado cuatro veces con menciones honoríficas en el concurso del Festival Ars Electronica y ha recibido el Premio Qwartz 2010 a la mejor antología sonora.

Gratuito, plazas limitadas hasta completar aforo.
Para inscribirse y poder acudir a este concierto y experiencia de escucha profunda es imprescindible enviar un correo antes del miércoles 3 de octubre con tu nombre completo y DNI a: concertos@modulartec.gal

Franciscolopez.net

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Desde el inicio de su carrera, las improvisaciones han sido un elemento importante a la hora de componer para los diferentes proyectos, tanto personales (Qzios, Panorama Elíptica, etc.) como colaborativos para otras disciplinas como la danza, vídeo, teatro e instalaciones.

Estas improvisaciones toman ahora entidad propia y con varios sintetizadores analógicos y módulos de efecto y sin ordenador ni sonidos pregrabados genera sensaciones que intentan ir más allá de la mera escucha, envolviendo y buscando las reacciones anímicas o físicas que el sonido puede llegar a provocar en el oyente.

El espíritu de Impromptu lleva al pie de la letra la definición de improvisar, hacer algo de pronto, sin estudio ni preparación, convirtiendo cada directo en una actuación radicalmente diferente.

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El apartado visual correrá a cargo del gran Pedro López.

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Es una gran emoción presentar en esta edición al dúo compuesto por Laura Moyano y Juan Manuel Cidrón, quienes ya han colaborado en diversas ocasiones protagonizando conciertos antológicos. Voz de tonalidad soprano y y electrónica analógica aunados para una sugerente propuesta al margen del canon de lo establecido y lo mainstream que nos harán transitar por universos sonoros mágicos e inimaginables y fascinantes y reveladores estados de ánimo.

Laura Moyano (Alcalá la Real, Jaén, 1976) es Titulada superior en Canto por el Real Conservatorio Superior de Música Victoria Eugenia de Granada. Su trayectoria profesional como solista se ha desarrollado en varios géneros como el ensemble barroco, la música de cámara, el oratorio, la ópera, el teatro y la electrónica.

Juanma Cidrón ha estado ya con nosotros en la edición de 2020, durante la pandemia, en una actuación increíble e inolvidable. De muy joven cursó la carrera de piano y solfeo, cinco años que le marcaron el resto de su vida. Primero con el piano y luego con los sintetizadores que se ha ido plasmando en la veintena de álbumes publicados desde principios de la década de 1980.

Referente y pionero de la música electrónica, su música está basada en los sonidos de los sintetizadores modulares su impresionante repertorio de instrumentos analógicos, que conforma una de las mejores colecciones del país. Es un hombre analógico, no tiene RRSS ni siquiera teléfono móvil.

Elena Córdoba es Novia Pagana, productora musical, compositora y creativa audiovisual.

Su trayectoria incluye múltiples puestas en escena a través de conciertos en diversos actos relacionados con el teatro, el cine, la danza, el diseño, arte sonoro.

Ha participado en la creación sonora para obras de teatro como ‘EX: El Final del Simulacro’, de cine como para la película ‘Solitude’ de Margarita Morales (estrenada este año en la sección Panorama Andaluz del Festival de Cine de Sevilla), o de danza como ‘Amar da Drama’ con Maria José Villar y Leticia Gude (en proceso de desarrollo actual). También ha desarrollado propuestas como ‘Ellas en la Ciudad’ con la urbanista Reyes Gallego (participando en calidad de artista sonora y editora del documental) y en la Bienal de Flamenco de Sevilla.

En la actualidad, se encuentra en un momento de incidir y experimentar con otras disciplinas artísticas con el objetivo de buscar nuevas formas de expresión.

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Proyecto audiovisual paralelo del dúo Telephasycx!, capos del sello Rator Mute, compuesto por Maryah Gamboa y Durbannoise. Collapse se basa e atmósferas sombrías y desoladas, baterías deconstruidas y guitarras desgarradas construyen paisajes sonoros opresivos y perturbadores. Estructuras que evocan al Post-Rock y al Dark-Ambient y que  te conducen al límite de lo desconocido.

Presentan su primer trabajo «Journey to the Event Horizon», un viaje hacia el horizonte de sucesos donde la realidad se disuelve y solo persiste el sonido.

Maryah es guitarrista e improvisadora multidisciplinar. Comenzó su carrera tocando en grupos post rock y free jazz y posteriormente en 2006, en Berlín, inició su proyecto experimental Marymotto (influenciado por el noise y el krautrock). Más tarde viajó a Nueva York y Vancouver para desarrollarse como improvisadora. Tiene varios proyectos paralelos que tocan distintos estilos: 20 Fire Minutes, Marrash, Delusion of the Fury y más recientemente NonZero!

Durbannoise es un reconocido productor y dj en la escena electrónica de Madrid desde los noventa influenciado por el sonido de Detroit, Autechre, Drexciya, Hijokaidan, Dopplerfeffekt o Esplendor Geométrico.

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Iván Pavlov es un artista sonoro y músico afincado entre Francia, Suecia y Rusia. Desde las lecciones de piano clásico cuando era niño, pasando por la fascinación adolescente por las guitarras eléctricas y los estudios universitarios en física teórica, hoy el principal interés musical es cerrar la brecha entre la acústica como ciencia y la música como forma de arte.

A partir de finales de los 90, los discos de COH aparecieron en sellos pioneros como Raster-Noton, Mego y Eskaton. Al mismo tiempo, invirtió colaboraciones con otros artistas del nivel de Peter Christopherson (COIL, Throbbing Gristle, Psychic TV [como SOISONG]), Richard Chartier [como CHESSMACHINE], Telco Systems [como TELCOH], John Balance (COIL), Cosey Fanni Tutti (Throbbing Gristle , Carter Tutti, Carter Tutti Void, Chris & Cosey) o Abul Mogard, entre otros.

En cada proyecto, el objetivo principal sigue siendo encontrar y mejorar las cualidades particulares del sonido, ya sea de un instrumento clásico, de una voz o de una forma de onda generada por computadora, responsable de crear resonancias en la percepción del sonido.

En 2019, Ivan fundó FEM – Fundación para la Música Electrónica, con el objetivo de presentar tanto la historia como el espectro actual de la música electrónica a estudiantes universitarios de física y matemáticas, con el objetivo de fomentar un mayor desarrollo de la tecnología musical y la estética del sonido.

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En homenaje a su bisabuelo, Parautas es el seudónimo escogido por Carlos Gómez, productor y dj de Santiago de Compostela.

La búsqueda constante de nuevas referencias es clave a la hora de construir un sonido propio, áspero y profundo. Este imaginario queda plasmado en sus directos, obsesión a la que dedica la mayor parte de su tiempo y esfuerzo. Tras la publicación de su primer EP «Pegadas» y «Ya estamos», un split acompañado de su colega vigués Pálida (Menta Records, Madrid), Carlos se asocia con Marta (Amiga) para lanzar Elástica: una fiesta para amantes de los ritmos rotos con sede en Santiago.

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«A medida que el hielo se funde, también se desvanecen los latidos de un mundo que alguna vez fue eterno. Este espectáculo audiovisual es el reflejo de un planeta que llora su propia fragilidad, un llamado a escuchar el crujir de los glaciares y las voces del futuro que claman por conciencia y acción.»

La larga trayectoria de Poupées Électriques ha estado marcada por un vasto recorrido de experiencias, colaboradores, composiciones, conciertos… Formados en 2004 por Carlos A. y Paco F. (posteriormente como MicroPlex) bajo un concepto experimental de conjunción de las últimas tecnologías musicales con la recuperación de los artilugios más ancestrales de la música del siglo XX (intonarumori, theremin).

A través de sus diversos trabajos y espectáculos han desarrollado un lenguaje de expresión particular y en continua evolución, moviéndose libremente por la experimentación sonora, la música industrial, las composiciones rítmicas, la atonalidad, etc…

Poupées Électriques han abierto una nueva etapa, bajo un nuevo concepto, una nueva formación con Elia Martín y Carlos Arillo y tendremos el gusto de volver de disfrutarlos en Modulartec.

poupeeselectriques.com

Técnico y artista interdisciplinario especializado en sonido inmersivo, visuales y tecnología innovadora aplicada al arte que, a lo largo de su trayectoria, ha colaborado en diferentes proyectos de streaming de eventos en directo, así como en la producción de audio y video en 360º y el desarrollo de visuales generativos.

En el ámbito de la formación, ha impartido múltiples talleres y charlas sobre realidad virtual y audio inmersivo, acercando nuevas tecnologías y estrategias creativas a contextos culturales y académicos diversos.

Es colaborador de Modulartec, realizando tareas de registro sonoro y visual y es muy querido por todo nuestro equipo y colaboradores.

Sofía Mestre es una artista electrónica portuguesa que mantiene con sus sintetizadores modulares una relación íntima. Construidas desde cero por su socio Zé Diogo, estas máquinas modulares tienen su propia identidad y autenticidad. Clothilde las trata como iguales y eso resuena en la música que crea. Ella o ellas, porque en algún momento no se puede diferenciar realmente una de otra. Esa es la belleza de la música de Clothilde, que tiene una empatía única con las máquinas/instrumentos que utiliza, y esa relación se expresa en cada momento. Esto crea una música imposible de predecir, no necesariamente relacionada con la improvisación, la aleatoriedad o la teoría del caos, sino con el diálogo desconocido entre humanos y máquinas. Es un sentido primario de la música electrónica, pero que involucra al oyente en una idea constante de construcción del mundo. Maravilloso e intenso.

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Artista multidisciplinar que lleva toda una vida ligado al mundo audiovisual en todas sus expresiones. Pasión que emerge a los 17 años de edad desde el colectivo A Casa da Leiteira.
Más de 15 años llenando de imágenes las pistas de baile de clubs y festivales.
Desde 2005 dirige su propia productora y agencia de comunicación Sincro Audiovisual.
En 2021 cumple un pequeño sueño de su adolescencia y funda el label DISCTRL, del que también forma parte como artista.

Actualmente bajo el aka de H∑RM∑S se define como T.A.Z.…ayer era la muerte. carne, hierro y necronoize. Metal inerme somos!! Expresión de lo invisible, de lo que habita en el medio de los cuerpos. Letanías de disolución y renacer, médium y altar en un mismo ente. Y regresar de nuevo. ¿Quién eres tú, que todavía respiras?

Carme López (O Incio, 1992) es intérprete, docente e investigadora del campo de la música de tradición oral gallega; Doctora por la UDC con una tesis sobre el canto tradicional femenino en Galicia y profesora de la USC (Área de Expresión Musical – CC.EE).

‘Quintela’ es el disco debut de Carme López y el primeiro trabajo de música experimental para gaita gallega, influenciado por compositoras como Éliane Radigue, Pauline Oliveros o Kali Malone. En este álbum la gaita se mueve por un campo totalmente desconocido, desvinculado de su nexo con la música tradicional para descontextualizarla y crear así un enfoque personal marcado por la perspectiva de género (abandonando la asociación de prestigio entre el instrumento y el género masculino). El arco narrativo parte de la casa familiar de Carme López, la casa Quintela, y de las vivencias y relaciones personales que tienen surgido en ella.

Quintela se publica en marzo de 2024 con el sello WarmWinters Ltd., y es reeditado en vinilo como uno de los mejores discos del 2024 por Boomkat.

Para la elaboración del directo de presentación de este álbum se conforma un espectáculo basado en las ideas musicales y conceptos sonoros fundamentales del disco, tomando la improvisación y la aleatoriedad como ideas compositivas, y creando ambientes sonoros de lenta modulación, estirando las posibilidades sonoras de la gaita hasta su límite absoluto.

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Pelayo Fernández Arrizabalaga estudió Bellas Artes en Madrid. En 1984 fundó el grupo Clónicos junto con Markus Breuss. Ha colaborado con músicos como Malcolm Goldstein, Llorenç Barber, Sergi Jordá, etc.

En 1993 se mudó a Suiza, donde fue compositor invitado del Estudio de Música Electroacústica del Conservatorio de Basilea. Allí desarrolló su característica forma de trabajar con discos vinilos con el cual actuaba frecuentemente en entornos de música improvisada y electrónica. Seleccionado por el MACBA para el proyecto Avant- Recerca, Barcelona 2010. Artista en Residencia durante el 2012 en Berlín becado por el Gobierno Suizo.

Partitura Gráfica original para el Instituto para Música y Tecnología de la Universidad de Zurich 2014, Los Ángeles y San Francisco 2015. Estreno de “Transbordo espacial” en la Fundación Botín (Santander) 2016 “Desiertos Europeos”, Performance con tocadiscos y vinilos.

Ha sido invitado por la Feria Arte Santander (Jose de la Fuente Gallery) y La Casa Encendida de Madrid 2015 – 2017, por el MUSAC para la exposición “El giro notacional” León 2019 y se ha publicado una selección de su obra en la prestigiosa página de vanguardia internacional ubuweb.com.

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Pablo Rega es un músico difícil de clasificar, compositor, improvisador, diseñador de sonido. Su trabajo traza una fina linea entre la composición y la improvisación, el virtuosismo y el error, el orden y el caos.

Desde sus inicios en el rock progresivo con la banda Kozmic Muffin en las década de los 90’s, su actividad se ha centrado en las músicas de vanguardia y la improvisación. Ha formado parte de proyectos de free jazz (IED8 y Comando Radar), de libre improvisación (F.I.L.O y Trinity, Bruitage) de música electroacústica y noise como (Neumática y Piensan los pies, MUT) y proyectos mas inclasificables como Reptilian Mambo, Kill Bambi, Electra y Discordian Community Ensamble. Ha dirigido durante años ensambles de composición en tiempo real como la Banda de Improvisadores de Barcelona (B.I.B) o la orquesta de música espontánea de Galicia (OmeGa).

Como compositor y diseñador de sonido ha realizado numerosos trabajos para teatro con compañías como La Danaus, Los corderos, Antigua y Barbuda, Diego Anido, Play Ground entre otros y para cine con los realizadores Enrique Otero (Crebinsky, Honeymoon), Fon Cortizo (9 Fugas) y Chus Domínguez.

Ha realizado instalaciones de sonido, impartido cursos sobre improvisación, sonido y escucha y se ha formado y colaborado con músicos de la talla de Albert Cirera, Ramón Prats, LAR Legido, Agustí Fernández, Le Qüan Nin, Fred Frith, Tom Zê, Peter Kowald, Willian Parker, Tom Chant, El Pricto, Don Malfon, Nilo Gallego, Joan Saura, Dani Domínguez, Ferrán Fages, Alfredo Costa Monteiro, Pablo Seoane y la Orquesta FOCO.

Orfeón Gagarin presenta, por primera vez en tierras gallegas, su espectáculo audiovisual THE SUPERMOON CONCERT, donde el pasmoso ensemble madrileño tocará en directo temas de sus últimos álbumes para GEOMETRIK “VOCES A 45” y “ORFEON GAGARIN & THE SUPERMOON ORCHESTRA”. Música electrónica improbable salpicada, como siempre en el caso de este artista, de sintetizadores viejunos y anticuados métodos de grabación analógica, homenajeando a los grandes pioneros de la electrónica de los años 70 y el “krautrock”, como principales influencias, con toques de pseudo pop y música ambiental extraterrestre.

“El disco suena como una moozak lounge ultra triposa, retrofuturista y burbujeante como meterse un paracetamol efervescente sin agua directamente sobre la lengua. Evocación a mundos y submundos, a playas post nucleares abrasadas, a marcas de cosas que ya no existen y que se pedían por catálogo en California en los años 60 y sobre todo, suena tremendamente adictivo, sugerente, hipnótico, agradable y genuinamente atemporal. Pero ojo, todo esto está sonando no en la realidad, sino cabalgando una sinapsis neuronal que cimbrea eléctricamente como un cable pelado de alta tensión. Dentro de esa electricidad es donde la Orfeon Gagarin & The Supermoon Orchestra se desenvuelven a la perfección. “

(Antonio Martín , en su blog “La muerte tenía un blog”).

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Ego Death es una transferencia de conciencia, una disolución de las fronteras entre lo biológico y lo sintético, donde la voz, el violonchelo y el órgano convergen con la máquina.

Resina y Aho Ssan operan en una extraña sincronía, canalizando el sonido como una inteligencia fluida y compartida.

«Parecen desprenderse como humanos, retumbando como dos enormes bestias…» – BBC Late Junction

AHO SSAN es el nombre artístico de Niamké Désiré, músico de origen africano y afincado en París. Tras estudiar diseño gráfico y cine, empezó a componer música electrónica y a crear sus propios instrumentos. Poco después ganó el premio de televisión Foundation France por su banda sonora para la película D’Ingha Mago en 2015 y ha trabajado en varios proyectos relacionados con el IRCAM. Su LP de debut “Simulacrum” se publicará a través de Subtext Recordings. Aho Ssan estrenó su disco en Berlín Atonal 2019 y desde entonces ha participado en los festivales más prestigiosos del mundo de música electrónica y de vanguardia. Ha colaborado con el productor keniata KMRU y con diversos artistas electrónicos.

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RESINA es el seudónimo de Karolina Rec, violonchelista y compositora residente en Varsovia, que fichó por 130701 tras enviar este álbum como una impresionante maqueta. En este álbum homónimo, que supone su debut en solitario, Karolina Rec presenta una imaginación rica y atmosférica de la música polaca, basada en un sentimiento por la naturaleza y el paisaje autóctonos y realizada a través de un enfoque intuitivo y experimental de la interpretación.

Su forma de tocar parece imitar o sugerir ciertos procesos, lugares y elementos naturales: las bandadas de pájaros, el movimiento del agua, las nubes, la luz y el viento, y la agitación gradual de la vida en el bosque. Los títulos de las pistas reiteran estos temas, al igual que el propio nombre «Resina»: la forma latina de resina, «la sangre del árbol». Las piezas de Resina, que a veces recuerdan al zumbido de raíz paisajística del compositor inglés Richard Skelton, son igualmente orgánicas y evocadoras de la naturaleza. Su extenso crecimiento está plagado de complejidades tonales y tímbricas. Sus temas resplandecen y rodean al oyente; cambian lentamente, se despliegan y despiertan; se vuelven cada vez más activos.

Felix Kubin es un artista alemán afincado en Hamburgo, cuyos diversos experimentos y epítetos incluyen artista radiofónico, compositor de música pop y orquestal de ciencia ficción, intérprete incendiario, propietario de un sello discográfico (Gagarin Rec), conferenciante y comisario. Ha escrito y producido varias obras radiofónicas de larga duración para emisoras nacionales alemanas y ha actuado en directo para Resonance FM de Londres y ORF Kunstradio de Viena. Su música está saturada de entusiasmo por el pop disarmónico, el ruido industrial y la música de vanguardia del siglo XX. Desde 1998, ha publicado una gran variedad de álbumes con diversos enfoques conceptuales y ha actuado en más de 100 festivales de música electrónica de todo el mundo. En 2010 apareció en portada de la revista británica WIRE. Sus producciones La música se han publicado en sellos como Mego, Bureau B, Dekoder, Minimal Wave entre otros, además de en su propio sello Gagarin Records.

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